Χάρη Γιαννούρα, τί κάνει τελικά ένας curator;

Curator, μια λέξη που διαβάζουμε όλο και πιο συχνά τα τελευταία χρόνια, αλλά πολλοί λίγοι ξέρουν να σου πουν τι ακριβώς σημαίνει. Τί κάνει ένας curator; Σπουδάζεται το curating; Σε αυτές τις ερωτήσεις και όχι μόνο, θα δώσει απαντήσεις ο Χάρης Γιαννούρας.

Με σπουδές στην Ιστορία και την Ιστορία της Τέχνης, ο Χάρης Γιαννούρας συνεργάζεται τον τελευταίο καιρό με το γερμανικό μουσείο Abteiberg, ήταν συνεπιμελητής στην έκθεση της Ghislaine Leung, με τίτλο Portraits, ενώ επιμελήθηκε και το πρότζεκτ KW Production Series, που είναι αφιερωμένο στην κινούμενη εικόνα. Το συγκεκριμένο πρότζεκτ περιλαμβάνει έξι νέα έργα, τα οποία αναμένεται να γίνουν μόνιμο μέρος της συλλογής του μουσείου.

Ο νεαρός υποψήφιος διδάκτορας, μίλησε στην Popaganda για την συμμετοχή του στην Mediterranean Biennale, την απόφασή του να ασχοληθεί με τα εικαστικά και τι είναι αυτό που κάνει πετυχημένο το curation σε μια έκθεση τέχνης.

Ghislaine Leung, Portraits, 2021; courtesy the artist and Maxwell Graham, Essex Street, New York, 2021; photography: Achim Kukulies, 2022

Φέτος πήρες μέρος στην Mediterranean Biennale. Πώς ήταν η εμπειρία αυτή; Φέτος επιλέχθηκα να συμμετάσχω στην Μπιενάλε Νέων Καλλιτεχνών της Μεσογείου, η οποία ήταν ένα πολύ ενδιαφέρον πρότζεκτ που έλαβε χώρα στο Σαν Μαρίνο το καλοκαίρι και η συμβολή μου είχε τη μορφή ενός μικρού βιβλίου. Δούλεψα σε ένα μακροσκελές δοκίμιο, μεταξύ ενός παραμυθιού και ενός speculative έργου βασισμένου σε γνωστές μυθολογίες που ασχολούνται με την εικόνα της γοργόνας. Δυστυχώς βρέθηκα θετικός για Covid λίγο πριν φύγω για το Σαν Μαρίνο οπότε δεν μπόρεσα να παρευρεθώ, αλλά ήταν όπως και να έχει μια πολύ ενδιαφέρουσα πρωτοβουλία. Ιδιαίτερα πρέπει να πω ότι η ομάδα της Μπιενάλε ήταν υπέροχη, οι άνθρωποι που εργάζονταν σε αυτό το πρότζεκτ γενικά ήταν πολύ λαμπρές συνάδελφοι και ήμουν πολύ χαρούμενος που πέρασα λίγο χρόνο μαζί τους.

Ποια είναι η ερμηνεία που εσύ δίνεις στο έργο που παρουσίασες στην Mediterranean Biennale; Το έργο είναι ένα κείμενο πάνω στο οποίο δούλεψα για αρκετό καιρό και το οποίο ακολουθεί λίγο πολύ το λεγόμενο πλαίσιο της speculative fiction. Αυτό σημαίνει ότι διαβάζεται ως μια ιστορία, μια αφήγηση, ένα παραμύθι- κάτι που θα έλεγε κανείς ότι δεν είναι πραγματικά ιστορικά ακριβές ή ιδιαίτερα πολιτικά σχετικό με την πολύ απλή έννοια του όρου, αλλά ταυτόχρονα μέσα από τις κατασκευασμένες πραγματικότητες μπορούμε να αντιμετωπίσουμε τα πιο επείγοντα πολιτικά ζητήματα της εποχής μας. Η ιστορία αφορούσε έναν τύπο, έναν εξερευνητή, ο οποίος δεν είναι πραγματικά σαφές αν είναι Cyborg ή άνθρωπος, και προσπαθεί να αναδημιουργήσει ένα φαινόμενο που είναι η βροχή στο διάστημα. Για να το πετύχει αυτό πρέπει να επικαλεστεί τη χαμένη δύναμη των λεγόμενων γοργόνων. Το σκηνικό είναι μια αποκαλυπτική εκδοχή της γης που δανείζεται πολλά από πολύ συνηθισμένες αφηγήσεις που όλοι γνωρίζουμε από την επιστημονική φαντασία και προσπαθεί μέσα από ένα φανταστικό σενάριο και μέσα από το μηχανισμό ενός παραμυθιού να μιλήσει για πολύ επίκαιρα και πολύ αληθινά ζητήματα, όπως η ιστορία της επιστήμης, η δαιμονοποίηση του ξένου και το νερό ως εναλλακτικός φορέας γνώσης. 

Τί κάνει για εσένα πετυχημένο το curation σε μια έκθεση τέχνης; Γενικά ο ρόλος της επιμελήτριας, του επιμελητή είναι μια πολύ περίπλοκη και συχνά παρεξηγημένη θέση. Προσωπικά, καθώς έχω μάθει να δουλεύω ως κάποιος που προέρχεται από την ιστορία και την ιστορία της τέχνης η προσέγγιση μου είναι πολύ έντονα επηρεασμένη από την ερεύνα μου. Παράλληλα, ως επιμελητής και που έχει εργαστεί σε ένα ίδρυμα όπως το Abteiberg που υπερηφανεύεται ότι είναι το λεγόμενο αντί-μουσείο, μια ιδέα πάνω στην οποία αναπτύχθηκε το μουσείο από την δεκαετία του 60 έπειτα όταν οργάνωσε τις πρώτες conceptual art εκθέσεις με ονόματα όπως ο Michael Ascher, Joseph Beuys, Bernd and Hilla Becher, Daniel Buren, Marcel Broodthaers, Carl Andre, μια συνεργατική, άμεση και ειλικρινή συνεργασία με τους καλλιτέχνες, η οποία δεν δομείται σε ιεραρχίες αλλά γεννιέται μέσα από ισότητες  πρέπει να πω ότι ο καλύτερος δυνατός τρόπος είναι να μιλάμε στο ίδιο επίπεδο. Να καταλαβαίνεις από πού προέρχεται ένας καλλιτέχνης, να προσπαθείς να δημιουργήσεις ένα πλαίσιο και έναν διάλογο που σέβεται την λογική και ευαισθησίες της δουλείας τους. 

Πώς αποφάσισες να ασχοληθείς με τα εικαστικά; Σπούδασα ιστορία και ιστορία της τέχνης όσο ήμουν ακόμα στην Ελλάδα και συνέχισα τις μεταπτυχιακές μου σπουδές στη Γερμανία στο Ινστιτούτο Ιστορίας της Τέχνης του Πανεπιστημίου Albertus Magnus της Κολωνίας, όπου έκανα μεταπτυχιακές σπουδές με βασικό άξονα την ιστορία της εννοιολογικής τέχνης, την τέχνη της δεκαετίας του ’80 καθώς και τη θεωρία της τέχνης από τη δεκαετία του ’70. Τα τελευταία δύο χρόνια εργάζομαι πάνω στην έρευνα στο πλαίσιο του διδακτορικού μου όπου ερευνώ τη σύνδεση των πρακτικών ζωγραφικής μετά τη δεκαετία του ’90 και την εξέλιξη του παγκόσμιου εννοιολογικού κινήματος με βασικό σημείο αναφοράς τα ζητήματα της παράθεσης, της αναφοράς και του δανεισμού. Αλλά η πρώτη και σίγουρα σημαντικότερη εικόνα τέχνης νομίζω ότι ήταν ο παππούς μου στης Θεσσαλονίκη ο οποίος μου αγόραζε βιβλία τέχνης, με πήγαινε σε μουσεία και σε εκθέσεις όταν ήμουν μικρός. 

Jamie Crewe, Pastoral Drama, 2018; part of Donation Outset at Museum Abteiberg; courtesy the artist; photography: Achim Kukulies, 2022

Ακούμε συχνά τα τελευταία χρόνια την λέξη curator, χωρίς να μπορούν όλοι να προσδιορίσουν την φιξ έννοιά της. Τί κάνει λοιπόν ένας curator; Η λέξη, ή η έννοια που συνάδει μαζί της, έχει εξελιχθεί τα τελευταία 10 χρόνια, θα έλεγα ίσως, σε μια φράση που χρησιμοποιείται συχνότερα από ό,τι θα έπρεπε. Προσωπικά προτιμώ να περιγράφω τον εαυτό μου ως art worker. Κατά μία έννοια το έργο της επιμελήτριας, του επιμελητή είναι να δημιουργεί ένα πλαίσιο, να παρέχει τον απαραίτητο διάλογο με έναν καλλιτέχνη, το έργο, το κοινό και το σύστημα που τα διαπνέει όλα αυτά. Από τότε που άρχισε το λεγόμενο άνοιγμα των πρακτικών της τέχνης από την εισαγωγή των λεγομένων relational πρακτικών αισθητικής στις δεκαετίες του ’80 και του ’90, όπου μπορούσες να δεις καθαρά ότι σχεδόν τα πάντα, ανεξάρτητα από τη μορφή, την υλική λειτουργία και την προέλευση, μπορούσαν να γίνουν ορατά ως κάτι ενδιαφέρον προβληματισμού στο πλαίσιο της τέχνης, αυτό σημαίνει ότι η επιμελήτρια, ο επιμελητής πρέπει να προσαρμοστεί. Αυτό την ή τον καθιστά και υποκινητή, και ενορχηστρωτή, και βοηθό, και συναισθηματική υποστήριξη, παραγωγό και συνεργάτη, εργάτη, μάγειρα, ταχυδρόμο.  

Ο επιμελητής τέχνης, Χάρης Γιαννούρας.

Συνεργάζεσαι με το μουσείο Abteiberg και φέτος επιμελήθηκες την έκθεση της Ghislaine Leung, με τον κάπως ειρωνικό τίτλο Portraits. Πες μας λίγο για την όσα έγιναν πριν η έκθεση γίνει διαθέσιμη στο κοινό. Ποια είναι η διαδικασία που ακολουθείς με τον κάθε καλλιτέχνη; Η έκθεση με την Ghislaine Leung ήταν ένα πολύ ενδιαφέρον έργο μεγάλης κλίμακας, το οποίο συν-επιμελήθηκα με μεγάλη χαρά μαζί με τη διευθύντρια του μουσείου Susanne Titz. Η Ghislaine Leung είναι μια εξαιρετική εννοιολογική καλλιτέχνιδα που εργάζεται ενεργά τα τελευταία σχεδόν 20 χρόνια και το έργο της είναι για πολλούς ανθρώπους ίσως πολύ ερμητικό, αρκετά δύσκολο να κατανοηθεί με μια πρώτη ματιά, αλλά τη στιγμή που θα περάσει κανείς λίγο χρόνο μαζί του, ενεργοποιείται μια απίστευτη ομορφιά ερωτήσεων, σκέψεων, συναισθημάτων. Αντιδρώντας σε έναν βαθμό στην παράδοση της εννοιολογικής τέχνης, όπου το κύριο ερώτημα ήταν πάντα πού βρίσκεται το έργο, πώς μπορούμε να απομακρυνθούμε από την ιδιότητα και τα όρια του αντικειμένου, πώς μπορούμε να αντιμετωπίσουμε κριτικά την υλική ιδιότητα του αντικειμένου που ονομάζουμε τέχνη. Η πρακτική της ξεκινά με τις λεγόμενες παρτιτούρες, μικρές οδηγίες που εκτελούνται σε διαφορετικά πλαίσια και ο τρόπος που εκδηλώνονται, ο τρόπος που αναπτύσσονται στο χώρο, μέσα από το θεσμό και μέσα στους ανθρώπους που τον καταλαμβάνουν είναι ακριβώς εκεί που βρίσκεται η γοητεία της δουλειάς της. 

Το βασικό μας σημείο εστίασης είχε να κάνει με την κατάσταση της θεσμικής κριτικής στο θεσμό και το ίδρυμα του σύγχρονου μουσείου. Η Ghislaine ενδιαφέρεται ιδιαίτερα για το πώς τα έργα τοποθετούνται σε ένα διάσπαρτο και ευρύτερο δίκτυο, που εντοπίζεται πραγματικά το έργο τέχνης. Είναι το αντικείμενο που βλέπουμε μπροστά στα ματιά μας, είναι η γραπτή οδηγία που μας ανάγκασε να παράγουμε το τάδε αντικείμενο και να το τοποθετήσουμε σε έναν εκθεσιακό χώρο, είναι η αόρατη εργασία στην οποία επενδύεται το αντικείμενο και δεν καταλήγει πραγματικά να εισέρχεται στο οπτικό επίπεδο της έκθεσης, είναι η στιγμή που αποφασίσαμε να παραγγείλουμε κάτι από το Amazon, είναι η μεταφορά που έφερε κάποια πράγματα στο μουσείο που δεν είναι πραγματικά μέρος του εννοιολογικού πλαισίου; Αυτά είναι τα συναρπαστικά ερωτήματα που ξεκινούν από τον τρόπο με τον οποίο γράφει τις οδηγίες της και τον τρόπο με τον οποίο αυτές διαμορφώνονται σε κάποια υλική έκφραση. Ο τίτλος είναι ένας προβληματισμός για το πώς οι τίτλοι συχνά επιλέγονται από τους σύγχρονους καλλιτέχνες ως μια μορφή teaser. Υπό αυτή την έννοια το πορτρέτο είναι εντελώς τυχαίο δεν έχει απολύτως καμία σχέση με την έκθεση και απλώς επιλέχθηκε ακριβώς για να επισημάνει τον παραλογισμό αυτών των σχεδίων σχεδόν μάρκετινγκ σε τόσες πολλές σύγχρονες εκθέσεις.

Hiwa K, The Bell Project, 2020; courtesy the artist and KOW Berlin, 2022; photography: Achim Kukulies, 2022

Στο παρελθόν έχεις επιμεληθεί και εκθέσεις που είχαν κυρίως βίντεο. Πόσο διαφορετική είναι διαδικασία που ακολουθείται σε μια τέτοια συνθήκη; Αυτό ισχύει τα τελευταία δύο χρόνια που είχα την ευκαιρία να επιμεληθώ δύο μεγάλες εκθέσεις βασισμένες σε έργα βίντεο. Η μία ήταν η τελευταία ατομική έκθεση του  Hiwa K, ενός πολύ σημαντικού Κούρδου καλλιτέχνη που έχει συμμετάσχει στην Μπιενάλε Βενετίας και η τελευταία documenta τόσο στην Αθήνα όσο και στο Kassel και με τον οποίο παρήγαμε ένα νέο ντοκιμαντεριστικο έργο, καθώς και μια ομαδική παρουσίαση που αποτελείται από μια δωρεά από ένα ίδρυμα στο Βερολίνο το KW Institute of Contemporary Art με νέες παραγωγές βίντεο που εκτελέστηκαν τα τελευταία τρία χρόνια από καλλιτέχνιδες όπως Onyeka Igwe, Beatrice Gibson, Andrea Büttner και Jamie Crewe. Η πιο σημαντική διαφορά είναι το γεγονός ότι πρέπει κατά μία έννοια να γίνεις πιο έξυπνος σε τεχνικά ζητήματα που είναι τόσο συνυφασμένα με τη λογική του έργου και τόσο σημαντικά για την επικοινωνία του, που με πολλούς τρόπους δεν τα καταλαβαίνεις πραγματικά. Έπρεπε να ασχοληθώ πολύ με τον υποτιτλισμό, κάτι που είναι κάτι εντελώς καινούργιο. Έπρεπε να καταλάβω τι είδους διαφορά κάνει η χρήση διαφορετικών πλαισίων προβολής, black boxes, ηχητικών συστημάτων, SRTs, flatscreens vs. Hantarex κ.λπ. Αυτό φυσικά ξεπερνά κατά πολύ την καθημερινότητα της οργάνωσης της έκθεσης, αφού είναι καθοριστικός παράγοντας για τον τρόπο με τον οποίο γίνεται αντιληπτό το έργο. Αν θα βλέπατε ένα ιστορικό εννοιολογικό έργο από τη δεκαετία του ’70 που γυρίστηκε σε φιλμ 16 χιλιοστών σε αντίθεση με ένα υψηλής ευκρίνειας 4Κ σε σύγχρονο έργο που χρειάζεται μια εντελώς διαφορετική κατανόηση όσον αφορά την τεχνική πλαισίωση.

Υπάρχουν κάποια «είδη τέχνης», τα οποία προτιμάς να επιμελείσαι;  Νομίζω ότι εξαρτάται αποκλειστικά από τη σχέση που έχει κανείς με τον καλλιτέχνη και όχι τόσο με το είδος. Σε γενικές γραμμές δεν έχω δουλέψει πολύ με έργα που βασίζονται στην perfromance, επειδή προέρχομαι από ένα εννοιολογικό υπόβαθρο και ένα ενδιαφέρον για τη ζωγραφική, οπότε αυτού του είδους οι πρακτικές είναι κάτι που μερικές φορές με φοβίζει, αλλά δεν θα το απέκλεια. Αλλά γενικά πιστεύω ότι το πιο σημαντικό πράγμα είναι να έχεις αυτή την πολύ ισότιμη, χωρίς αποκλεισμούς και γνήσια εποικοδομητική σχέση με τους καλλιτέχνες, η οποία γεννά αυτές τις σημαντικές και συγκινητικές στιγμές που επιδιώκεις. Η δουλειά μας είναι αποκλειστικά προϊόν συνεργασίας και διαλόγου. 

Ghislaine Leung, Arches, 2021; courtesy the artist and Maxwell Graham, Essex Street, New York, 2021; photography: Achim Kukulies, 2022

Δουλεύοντας χρόνια στο εξωτερικό, πόσο πιστεύεις διαφέρει ο τρόπος που αντιμετωπίζεται η τέχνη έξω, σε σχέση με την Ελλάδα; Μετακόμισα στο εξωτερικό πριν από έξι χρόνια, οπότε δυστυχώς δεν είχα την ευκαιρία να δουλέψω πολύ στην Ελλάδα. Η διαφορά σε γενικές γραμμές από μια εξωτερική οπτική είναι ότι στη Γερμανία ή στις Ηνωμένες Πολιτείες ή σε πολλές διαφορετικές ευρωπαϊκές χώρες υπάρχει μια υποδομή τόσο από τον ιδιωτικό τομέα όσο και από το κράτος που επιτρέπει στις καλλιτέχνιδες, επιμελήτριες, ιστορικούς τέχνης να ζουν και να συντηρούνται από την δουλειά τους. Αυτό είναι βέβαια κάτι που έχει ιστορικούς λόγους και είναι συνδεδεμένο με την εξέλιξη της παγκόσμιας αγοράς τέχνης και δεν πρέπει να θεωρείται απλά κάτι που είναι καλύτερο στο εξωτερικό. Οι ευκαιρίες αυτές είναι το προϊόν μια παράλληλης εξέλιξης της ιστορίας της τέχνης και της ιστορίας του κεφαλαίου. 

Ο τρόπος με τον οποίο εξελίχθηκε το κεφάλαιο κατά τη διάρκεια σχεδόν των τελευταίων πεντακοσίων χρόνων στην ηπειρωτική Ευρώπη, η προνομιακή εξέλιξη της αστικής τάξης που επένδυσε στις τέχνες, είναι στην ουσία οι ιστορικές αρχές πάνω στις οποίες γεννήθηκε το θεσμικό πλαίσιο που δημιούργησε τις οικολογίες που κάνουν την δουλειά στις τέχνες πιο βιώσιμη στο εξωτερικό. Αυτό σημαίνει ότι υπάρχουν πλαίσια και κατευθυντήριες γραμμές που θα επέτρεπαν στους καλλιτέχνες να προσπαθήσουν πραγματικά να βγάλουν τα προς το ζην δουλεύοντας στην τέχνη. Αμέσως βέβαια βλέπει κανείς πως τα προβληματικά και σχεδόν νέο-αποικιακά μοτίβα σιγά σιγά εμφανίζονται στις ανισότητες που ένα τέτοιο σύστημα υπογραμμίζει ανάμεσα σε έναν προνομιούχο βορά και έναν λιγότερο ανεπτυγμένο νότο. 

Τα τελευταία χρόνια, παρατηρώντας απλώς από μια εξωτερική προοπτική, αναπτύσσεται μια συναρπαστική σκηνή στην Ελλάδα και ιδιαίτερα στην Αθήνα. Υπάρχουν όλο και περισσότερες γκαλερί, νέοι ανεξάρτητοι χώροι, ιδρύματα και θεσμοί που δουλεύουν με εξαιρετικά ενδιαφέροντες και πολύ σημαντικούς καλλιτέχνες που πιστεύω ακράδαντα ότι θα έπρεπε να προβάλλονται πολύ περισσότερο από ό,τι προβάλλονται. Εξαιρετικά σημαντική είναι σε κάθε περίπτωση, η θα έπρεπε να είναι, η κρατική και δημόσια χρηματοδότηση, η οποία είναι πολύ προβληματική στην Ελλάδα, καθώς η τέχνη δεν θα έπρεπε να εξαρτάται πάντα από τον ιδιωτικό τομέα και το ιδιωτικό κεφάλαιο. Αν αυτό λείπει είναι εξαιρετικά δύσκολο να είναι αναπνεύσιμη και βιώσιμη για τους ανθρώπους που προσπαθούν να δουλέψουν σε αυτό τον τομέα. Αλλά πιστεύω ότι η Αθήνα είναι μια συναρπαστική και πολύ σημαντική πόλη της τέχνης με σπουδαίους ανθρώπους και υπέροχους καλλιτέχνες, ιδιαίτερα γιατί η λογική και οικολογία της πόλης ενθαρρύνει την ανάπτυξη με διαφορικούς, ανεξάρτητους και guerrilla τρόπους. Είναι σίγουρα μια σκηνή που θα ήθελα να γνωρίσω περισσότερο.